Etiqueta: Comentario de Cine

En algún momento, Pixar asumió la responsabilidad de realizar películas animadas que pudieran llegar a los corazones de grandes y chicos a la vez sin faltarle el respeto a ninguno. Esta tarea que desarrollaron de manera impecable se vio levemente opacada el 2006 con el estreno de Cars, una película que apuntaba casi exclusivamente a los niños.

Los críticos no la quisieron mucho pero el público infantil la amó y consumió todo lo que tuviera la figura del Rayo McQueen. Este aumento en los ingresos permitió que la empresa se diera lujos con Ratatouille, Wall-E y UP, películas que tuvieron excelente recepción de la crítica y la audiencia pero que no se reflejó en el marketing (No muchos niños quisieron jugar con figuritas del sr. Fredricksen o Anton Ego) por lo que Pixar se vio obligado a compensar con secuelas descorazonadas pero financieramente exitosas como Cars 2 y 3, Monsters University y Buscando a Dory. Lamentablemente, Valiente y El Buen Dinosaurio, ideas originales, resultaron ser inferiores al resto del perfecto curriculum de la productora.

Sin embargo, el 2015 nos impresionaron gratamente con IntensaMente y este año volvieron a lograrlo con COCO, probando que Pixar aún tiene de esa magia que nos encantó a finales de los 90 y principios del 2000.

Coco es la historia de Miguel, un niño amante de la guitarra que vive en un tradicional pueblo mexicano donde la música baña cada rincón excepto en su casa donde está prohibida debido a una antigua rencilla familiar. Al acercarse la celebración del Día de Muertos, Miguel se ve envuelto en una aventura que lo llevará hasta la misma Tierra de los Muertos donde deberá encontrar la forma de regresar y cumplir una misión muy importante.

El norteamericano director Lee Unkrich (Toy Story 3), apoyándose en su co-director latino Adrian Molina, logra capturar de manera perfecta la mundialmente conocida tradición mexicana. Cada detalle está puesto de manera respetuosa y sutil en el film, informando todo lo que la audiencia necesita saber sobre la fiesta y la idiosincracia de sus personajes (el personaje de Abuelita es el mejor en este aspecto). Sin embargo, una construcción perfecta del mundo no sirve de mucho si no hay una fuerte historia que lo justifique. Y Coco la tiene.

La película es prácticamente una comedia de aventuras emocionantes con personajes secundarios entretenidos, mucho color y mucha música. Sin embargo, por debajo de eso se va tejiendo otro relato mucho mas íntimo que va afectando al espectador SIN QUE ESTE SE DE CUENTA hasta los últimos quince minutos del film cuando todas las piezas caen en su lugar y el corazón de la obra de Unkrich queda expuesto frente a la pantalla al igual que las lágrimas del público.

Cabe destacar que la mayoría del reparto que grabó las voces en inglés, también lo hizo en la versión doblada al español con la excepción de Benjamin Bratt, cuyo personaje Ernesto de la Cruz, fue doblado por el mismísimo Marco Antonio Solís. Un verdadero deleite. Mención honrosa a Gael Garcia-Bernal quien se luce en el papel del desgraciado Héctor.

Coco es un verdadero espectáculo. Hermosa, graciosa, tierna. Con excelente música de Michael Giacchino y con verdadero corazón latino. No se la pierdan.

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Por supuesto que después de Sicario y La Llegada, Dennis Villeneuve era la mejor opción para dirigir la secuela del clásico que cambió las reglas del cine de ciencia ficción en 1982.

Este joven director tiene un destacado talento para crear personajes complejos y con conflictos internos fuertes; además de poseer un estilo visual que ha ido perfeccionado junto a su colaborador, el gran director de fotografía Roger Deakins, con el que han creado mucho mas que visuales espectaculares: Crean imágenes que transmiten sensaciones y que construyen universos. El mundo de Blade Runner, creado por Ridley Scott hace 35 años, está a salvo en estas nuevas manos.

30 años después de los eventos en Blade Runner, los replicantes son prohibidos por completo y los sobrevivientes son forzados a la clandestinidad. «K» es un Blade Runner que debe encontrar y «retirar» a los replicantes que encuentre. Luego de la aparición de un cofre con un misterioso contenido, «K» deberá encontrar a un niño perdido, despertando debates y contradicciones psicológicas en su interior mientras descubre su verdadera posición en el universo.

Al igual que la obra original, Blade Runner 2049 es una mezcla de cine negro y ciencia ficción. El caso que el detective debe resolver es la excusa para la prolongación de la pregunta presentada en su predecesora: «¿qué es ser Humano?» Pero la pregunta no se repite, se complementa. Villeneuve no hace un remake, no presenta una historia nueva en el mismo universo. Esta película es una legítima secuela que continúa de manera muy eficiente la historia original, expandiendo el universo de una manera que en estos tiempos se siente fresca.

De una forma mas competente que en The Force Awakens, por ejemplo, el universo construido por Scott en 1982 sirve como base para que Villeneuve construya el suyo y el calce es perfecto. Se mantiene el espíritu, el ritmo, el estilo en general, pero de una manera naturalmente evolucionada. En general, la película es superior a la original excepto en el soundtrack pero debe ser porque tenemos a Vangelis tan incrustados en el inconsciente que no es difícil considerar algo como mejor. La fotografía de Roger Deakins es objetivamente hermosa y perturbadora. Es el trabajo de un maestro con años de experiencia y con todos los recursos a disposición de su arte. Es precioso.

Es importante precisar que esta película no sigue las convenciones que el publico común estaría esperando de una película de ciencia ficción. La película escapa de todos los convencionalismos hollywoodenses. No hay explosiones espectaculares ni persecusiones infartantes. Es una película artística de ciencia ficción de dos horas y veinte minutos donde casi todos los conflictos son internos. Le recomiendo ver la original antes de ir a ver esta.

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Personalmente, me intrigan las películas que se imponen dificultades narrativas. De inmediato uno sabe que se enfrentará a algo distinto, a algo nuevo. A algo que Hollywood necesita.

Luego de la encantadora Okja, Netflix nos presenta «El Juego de Gerald». Basada en una novela de Stephen King considerada hasta ahora «infilmable» y dirigida por Mike Flanagan, es la historia de Jessi, quien junto a su marido Gerald deciden pasar un fin de semana romántico en una lejana y solitaria cabaña. En un intento por reavivar su vida sexual, Jessi es esposada a la cama matrimonial por Gerald quien, sorpresivamente, sufre un paro cardíaco cayendo muerto sobre su mujer. Al verse imposibilitada de escapar, Jessi entra en un estado psicótico que la llevará por un viaje devastador a los rincones mas oscuros de su vida.

Con un increíble diseño de producción minimalista, excelentes actuaciones y un muy buen guión, esta película logra esposarte a tu asiento, obligándote a experimentar junto con Jessi su descenso hacia la locura; es de esas películas tan devastadoras que uno no quiere repetirse. La protagonista no debe enfrentarse a un monstruo o un fantasma, debe enfrentarse a ella misma y es impresionante como el director logra transmitir eso en una película que transcurre en una sola habitación y con su personaje principal inmovilizado.

«El Juego de Gerald» no es como «127 Horas» en la que el tema es la fuerza proveniente del espíritu. Esta no es una película de superación física sino espiritual. Las esposas de Jessi no se comparan con las aprehensiones que ella misma se ha impuesto durante su vida. Hasta podríamos decir que este film es una película feminista en el sentido en que trata de una mujer liberándose de las ataduras sociales impuestas sobre ella durante siglos.

El trabajo de cámara es especialmente notable en el sentido que explora cada centímetro de la habitación para mostrarnos siempre un punto de vista distinto; los planos no se repiten, hay jump cuts con propósitos narrativos que funcionan muy bien, y el uso del color, aunque no siempre sutil, es muy bello. El sonido es utilizado con maestría para separar la realidad de las alucinaciones y para resaltar el terror creciente en Jessi. Técnicamente la película utiliza recursos clásicos para desarrollar el suspenso sin caer en los artilugios de siempre utilizados en el género.

Esta arriesgada apuesta de Netflix ha resultado ganadora; muchos ya la consideran una de las mejores películas del año. Yo estoy entre esos. El Juego de Gerald es una prueba mas de que el cine no necesita presupuestos inmensos para cautivar. La imaginación y la creatividad es todo.

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Que tesoro es poder experimentar esta película en una sala de cine comercial en una ciudad donde «Minions» estuvo en cartelera durante meses. La nueva película de Darren Aronofsky, director de perturbadoras cintas como Requiem por un Sueño, Pi: Fe en el Caos y El Cisne Negro es un desafío para el espectador. Una obra de arte financiada por Paramount Pictures. Una apuesta demasiado arriesgada.

A muy grandes rasgos, ¡madre! es la historia de un matrimonio compuesto por  «Madre«, una joven mujer y «Él«, un ya maduro escritor con bloqueo creativo, quienes viven en una remota casa en medio de un bosque. La casa ha sido el eterno hogar de Él y está siendo remodelada por Madre luego de ser destruida por un voraz incendio. Una noche son visitados por «Hombre«, un misterioso hombre quien es extrañamente muy bien recibido por el dueño de cada despertando sospechas en Madre. Luego llega «Mujer«, esposa de «Hombre» (y lo mejor de la película), complicando aún todo mas para «Madre». Decir que, desde ahí, las cosas se ponen «extrañas» es poco. Sin deja la confusión de lado ni por un segundo, la película va lentamente entrando en el terreno de lo fantástico y lo irreal hasta llegar a niveles tan inexplicables como maravillosos y desgarradores. ¿Notaron los nombres de los personajes principales? Raro ¿cierto?

Esta película está loca.

La cinta ha obtenido diversas reacciones y personalmente vi gente levantarse de sus asientos y abandonar la sala en medio de risas de confusión, prueba de lo acostumbrados que estamos a ver siempre la misma historia contada de la misma manera. Cuando llega una película como ¡madre! es natural que la reacción del público que fue a ver una cinta de terror convencional se sienta confundida y culpe a la obra de ser «mala» o «fome«. No creo haber visto jamás una película como esta. Esta no es la película de horror que quieres ver. Esto es algo mas. Mucho mas.

Esta película es Darren Aronofsky haciendo lo que quiere, sin restricciones y censuras. Es expresión artística salvaje y en pleno.

Es importante resaltar que ¡madre! no es una película convencional, es casi una obra de teatro filmada de manera exquisita, llena de desconcertantes primeros planos que comprimen aún mas el mundo de la protagonista. Todo aquí es una metáfora o una alegoría; nada es lo que parece y todo representa o significa algo mas. Aquí no está la respuesta a quien es el asesino, que espíritu está poseyendo la casa o cual es la solución al horror. No. El valor de la película está en que, como buena obra de arte, la interpretación te la deja a ti. Para mi, el film es una historia sobre ser mujer en un mundo machista, es sobre el efecto del éxito y la fama en quienes te rodean, es sobre el proceso creativo, es sobre la lucha entre el ego y el instinto, es sobre Dios, la Tierra y la humanidad, es sobre el amor y el ser humano. Es sobre el sacrificio. Es sobre eso y sobre todo lo que tu mente pueda descubrir.

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Mamá se fue de Viaje es una comedia argentina que en este momento la está rompiendo en nuestros países vecinos y de verdad es un deleite ver una película de esta factura en nuestra sala local.

Ariel Winograd es un director con vasta experiencia en comedias y se nota su manejo tanto con los actores como con la cámara. Sabe construir comedia desde estos dos flancos y mayormente su trabajo es un éxito. Los primeros diez minutos son maravillosos y con un despliegue técnico de producción impresionante que de entrada ya  sabes que esta es una película de gran presupuesto y de grandes risas.

La historia trata sobre Victor y Vera, un matrimonio acomodado y padres de cuatro chicos. Cuando la mamá finalmente se harta de ser tratada como empleada decide irse de vacaciones a Machu Pichu dejando al padre al mando de la casa y de los revoltosos chiquillos. Obviamente cunde el pánico a niveles absurdos hasta llegar a un espectacular clímax donde… bueno, ustedes ya saben.

Si la trama les suena parecida es porque es la misma idea del capítulo de Los Simpsons «Homero se queda solo» donde Marge decide irse de vacaciones a Rancho Relaxo dejando a Homero con los niños. Bueno, resulta que Winograd es un GRAN fan de Los Simpsons y esta película es un homenaje latinoamericano al legado de Matt Groening. Y funciona.

El film tiene niveles de comedia ridículos pero que calzan perfecto en el mundo que el director construye, la película se deja ver con liviandad y a pesar de ser una trama familiar, los gags son originales o, al menos muy bien filmados y sacan buenas risas. Es importante resaltar el nivel de la fotografía, la cámara es muy importante a la hora de crear comedia o resaltar emociones. Hay unos planos secuencias muy interesantes donde la cámara serpentea por toda la casa y el maravilloso lente de Felix Monti siempre está sobre algo hermoso de ver.

Pero si hay algo de verdad destacable es la actuación del reparto, especialmente los niños (El bebé Lolo se roba la película) que transmiten una honestidad impresionante y que, a pesar de sus personajes ser unos chiquillos miserables, aún logran hacerte reír.

En general es una comedia familiar liviana de alta producción y muchas risas que vale la pena ver en pantalla grande. No se la pierdan.

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Finalmente y de manera muy paulatina Hollywood se está dando cuenta de lo importante de recuperar la calidad narrativa en los blockbusters internacionales. Esta película está tan bien hecha que hace que las dos anteriores sean retroactivamente mejores.

Junto con Deadpool y Logan, El Planeta de Los Simios: La Guerra comprueba que en estos tiempos es posible entregar una película fantástica y de consumo masivo capaz de conmover, de provocar, de motivar el diálogo y la reflexión y, al mismo, tiempo mantenernos entretenidos con visuales extraordinarias, personajes interesantes, efectos especiales de última generación y escenas de acción trepidante.

El Planeta de los Simios: La Guerra es el tercer capítulo en este reboot de la saga original iniciada en 1968. César, el líder, junto a su tribu de simios inteligentes, ha logrado huir de la cacería humana durante dos años luego de los eventos de El Planeta de los Simios: Confrontación pero cuando las cosas se ponen personales, nuestro protagonista irá tras el malvado Coronel McCullough y su ejercito en un viaje, tanto físico como emocional, que tendrá un alto costo para él.

El director Matt Reeves logra cerrar esta historia con una película de una escala gigante y proporciones bíblicas, que te dejará con el corazón en la mano, cuestionando tu lugar en la Tierra y en la historia. Los efectos especiales que dieron vida a esta nueva raza de simios me conmovió a un nivel al que no llegaba desde Gollum en El Señor de los Anillos. Después de pocos minutos te olvidas que estás viendo animaciones digitales y de verdad logras emocionarte. El trabajo de Andy Serkis como César es tan increíble que cada vez que se le nombra, se debate si se debería entregar un Oscar a la mejor interpretación MoCap y en esta oportunidad su esfuerzo es impresionante: César es una criatura real que existe, siente, piensa, razona y sufre.

La película es una épica de acción y ciencia ficción rellena de tanto dramatismo y emoción que las escenas de violencia son desagradables a la vista. El desarrollo de los personajes digitales está tan bien hecho que es primera vez en el cine en la que los humanos en el público están en contra de los humanos en la pantalla y nadie lo cuestiona. En el caso de los humanos, también es posible entender totalmente sus motivaciones, sus frustraciones y sus miedos. Las escenas en las que César y el Coronel se enfrentan cara a cara son, definitivamente, las mas potentes del film.

La historia viaje entre una saga de ciencia ficción, una película de guerra, un drama de venganza y un montón de géneros mas, incluso pequeños destellos de comedia para aguantar tanto sufrimiento. Esta es una película difícil. No es para ir a pasarla bien disfrutando de efectos especiales impresionantes: Es un debate sobre la humanidad y la naturaleza, es una historia de dolor y lucha, de esperanza. Es un comentario sobre lo horrible de la guerra; sobre lo que implica ser humano. Sobre el espíritu.

De manera muy segura puedo decir que esta trilogía está a la par de otras grandes como El Señor de los Anillos, The Dark Knight y Volver al Futuro. Un nuevo clásico.

–Pedro Pizarro

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Una de las formulas con las que Marvel intenta distinguir sus películas unas de otras es mezclar el ahora existente «género de súper héroes» con algún otro género pre existente: Capitán América y El Soldado del Invierno mezcla el género del cine de espionaje, Ant-Man: El Hombre Hormiga es una película sobre ladrones organizados y Guardianes de la Galaxia es una ópera intergaláctica. Spider-Man: De Regreso a Casa es una comedia adolescente. Y está muy bien hecha.

No me mal entiendan, esto sigue siendo una hamburguesa Marvel de consumo rápido pero este combo es premium. Estudiado y ejecutado a la perfección.

Spider-Man: De Regreso a Casa no es una historia de origen. No hay ni araña radioactiva, ni tío Ben. La historia continúa desde Capitán América: Guerra Civil y explora las ganas de Spider-Man de convertirse en un Vengador y lo que tiene que hacer para lograrlo.

Pero también es la historia de Peter Parker, un joven muy inteligente pero retraído, que vive con su tía y que debe lidiar con las presiones comunes de la adolescencia.

Durante su metraje, la cinta presenta el constante enfrentamiento entre los adultos y los jóvenes sin ser discursiva, presentando con ejemplos y no con discursos el ya conocido tema de Spider-Man: «un gran poder conlleva una gran responsabilidad».

La película está hecha con bastante destreza, la historia se desenvuelve ante tus ojos sin la necesidad constante de explicarte lo que está sucediendo y cuando lo hace, lo hace con justificación; el humor está impecable al igual que la puesta en escena, el casting está perfecto, la fotografía muy colorida y el montaje está bien dirigido.

«Vulture», el villano, debe ser uno de los villanos mas novedosos y atractivos en el mundo cinematográfico Marvel. No es al aburrido semidiós ambicioso ni el científico loco incomprendido por el mundo ni ninguno de los clichés que este universo cohesionado nos viene entregando desde el 2008. Vulture está a la altura del héroe y, a pesar de que la película no tiene grandes set-pieces, comparada con sus compañeras, la gracia de Homecoming es su impecable ejecución.

De alguna forma, este film es todo lo que nos gusta de Marvel pero sin los vicios como el hoyo en el cielo o el villano invencible que, al final, es fácilmente derrotable; es una muy entretenida comedia juvenil con una que otra escena de acción trepidante. No lo pasaba tan bien con una cinta de Marvel en una sala de cine desde Ironman.

–Pedro Pizarro

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Que tiempos estamos viviendo en que una producción cinematográfica de alto presupuesto, de atractivo masivo y con gran valor artístico está disponible de manera inmediata y legal a través de una plataforma como Netflix. Una película que pasó de estrenarse en el festival de Cannes directamente a las pantallas caseras del mundo. Una película hecha por uno de los directores coreanos mas interesantes del último tiempo. Son tiempos de revolución.

Okja es la historia de la corporación Mirando, su presidenta Lucy Mirando y su producto estrella: un supercerdo gigante de exquisito sabor que podrá ser vendido de manera masiva al mundo. Como parte de la investigación sobre el desarrollo del animal, y también como estrategia publicitaria, varios ejemplares son enviados a diferentes granjas alrededor del mundo con el objetivo de elegir al mejor desarrollado en diez años.

Uno de estos impresionantes animales se transforma en la mascota de Mija, una niña coreana de 13 años quien la bautiza como Okja y no se detendrá ante nada para recuperarla una vez que es llevada a Nueva York como la ganadora de este “concurso” televisivo animado por el ridículo Dr. Johnny.

En medio de una espectacular e improvisada misión de rescate, Mija se encuentra con Jay y su banda de animalistas terroristas pacifistas quienes le revelarán la verdad sobre Okja y la ayudarán en su empresa.

Bong Joon Ho nos presenta esta historia en un formato de cuento de hadas con un vuelco oscuro que la lleva, comenzando con aires muy amigables para la familia, a transformarse en una sátira, en una aventura de acción, luego en un drama ecologista y una cinta de terror entre otros géneros sin dejar de ser una fábula encantadora con un discurso y un mensaje muy claro. Se podrán imaginar que las similitudes con el cine de Hayao Miyazaki van mas allá de la superficial comparación con Mi Vecino Totoro.

La habilidad del director para manejar los distintos elementos que componen el film es muy importante porque él sabe en que plataforma se exhibirá su trabajo. Esta vez no es solo Corea o los Estados Unidos; es el mundo. Por eso esta historia es universal, es multicultural, apela muchos sentimientos, a una diversa gama de temas sin casarse con ninguno y sin dejar de tener una visión clara, sin ser un enredo desastroso. Sabiendo que su audiencia no tendrá la concentración de un público en una sala de cine, Okja se pasea por distintos géneros exitosamente.

Okja es, al mismo tiempo, un blockbuster de entretención masiva y una obra de arte discursiva, delicada y hermosa. Esta vez tenemos a nuestro alcance de manera legal una preciosa y muy entretenida película que nos dejará pensando en temas importantes. No se la pierda.

-Pedro Pizarro

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Una adaptación cinematográfica de La Mujer Maravilla es lo que el mundo necesitaba y estaba esperando desde su glorioso debut en el bodrio que fue Batman v Superman. La figura de una súper heroína que pudiera valerse por si misma en un mundo dominado por hombres, en tiempos donde la mujer está luchando por reivindicar sus derechos a nivel mundial, tiene una responsabilidad tan grande que solo es digna de una diosa griega.

Pero Patty Jenkins y Warner Bros. DC son meros humanos.

Frente a la imposibilidad de satisfacer a todo el mundo, la película tuvo que tomar una decisión sobre a quien apuntar específicamente su mensaje y creo que eligieron el camino correcto. No es el camino que me hubiese gustado. No disfruté la película porque La Mujer Maravilla no es para mi. Es para niñas de 13 años.

Narrativamente la película es un desastre: Los primeros 30 minutos se sienten como un extenso prólogo en vez de un primer acto. Los personajes no se comunican, entregan información al público para avanzar la trama lo mas rápido posible. Toda posibilidad de explorar “el mundo de los hombres a través de los ojos de la mujer” quedan reducidos a clichés superados rápidamente para seguir con la trama. La película se va desarmando muy lentamente hasta llegar a un tercer acto que no tiene ningún atractivo y que, incluso, derrumba todo el discurso que proponía.

Pero todo eso no importa porque la mera presencia de La Mujer Maravilla en la pantalla es suficiente para inspirar y empoderar a un montón de jovencitas alrededor del mundo porque ahí radica la fortaleza de la película, en su personaje principal interpretado de manera espectacular por la increíble Gal Gadot. Se nota que Gadot entiende lo que representa su personaje y se apodera de él. Diana Prince es una mujer que no le teme al hombre, que lo cuestiona, que lo enfrenta pero no necesariamente con la espada si no que con la razón y el corazón. La Mujer Maravilla es fuerte, es inteligente, es sensible, tiene control sobre sus emociones sin dejar de ser una mujer. Ella expresa explícitamente el rol de la mujer en el mundo y eso no debe ser menospreciado.

Tal vez La Mujer Maravilla no fue la película que pudo haber sido pero es un gran paso adelante. Lleve a su hija, a su sobrina, a su ahijada. Le va a hacer bien.

-Pedro Pizarro Rojas

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Comparar Alien (1979) con Alien: Covenant (2017) es inevitable. La película original, que puso en el mapa a su director y que se transformó en un clásico del terror que funciona perfectamente hasta el día de hoy (como fuimos testigos quienes la disfrutamos en pantalla grande hace unas semanas en los Clásicos de Cinemark), es la obra de un artesano que busca crear algo hermoso. De alguien que juega con las herramientas del cine y descubre como provocar emociones y manipularlas a su antojo para nuestro entretenimiento.

Alien: Covenant es el producto de las reflexiones y los pensamientos de toda una vida de un viejo experimentado quien las plasmó en el medio que domina. Scott tiene cuestionamientos sobre el origen de la humanidad, de su propósito, de su destino. Ha explorado esos temas por la tangente a lo largo de su filmografía pero ahora tiene la experiencia y el dinero para contar la historia que quiera contar. Pero no el poder. Ahí radica el problema de esta segunda parte de la segunda trilogía de Alien…

Al igual que Prometeo, Alien: Covenant puede funcionar perfectamente sin el extraterrestre titular quien, en su propia película, es un personaje secundario que puede ser reemplazado por cualquier bicho que salte ahora de tu imaginación. ¿Un Hombre Lobo? Dale. La película funciona igual.

El Alien es tan secundario y poco importante que Ridley Scott rompe las reglas que él mismo impuso en 1979 con respecto al xenomorfo que tanto queremos y tememos. El proceso que todos conocemos respecto al desarrollo del Alien no calzan con la historia que el director quiere contar, entonces se adapta. Al igual que en el título, «Alien» estorba en «Alien: Covenant». Una pena.

Si especulamos, pareciera que Ridley Scott quiere hablar sobre la humanidad y la trascendencia y la muerte de Dios y todos esos temas existenciales que escuetamente presenta Prometeo pero que no tiene la confianza de que esa historia sea suficiente para llevar gente a las salas (Y tiene razón porque es tan insatisfactoria que el film tiene dos escenas de acción finales para que no te sientas estafado).

Entonces el Alien es introducido a la fuerza en la trama. Alien: Covenant no es una película sobre Aliens, es una película sobre robots.

De esta forma, la película es dispareja. Al intentar mezclar este cuento existencialista y esta historia de monstruos, el film se pasea entre drama filosófico, película de aventuras, de terror, de ciencia ficción, de cine B… Y al final no es nada.

Sin embargo, hay hartas cosas buenas que destacar. Creo que, aunque los personajes no importan nada, están muy bien justificados. Se ha dicho harto que sus decisiones son estúpidas y lo son pero están motivadas por el corazón y la desesperación, no por la lógica. Es fácil pensar en como derrotar a un Alien sentados cómodamente en una sala de cine comiendo cabritas. Alien: Covenant tiene unas secuencias de acción increíblemente bien desarrolladas y que provocan genuino terror pero que, sin embargo, se sienten frías, sin amor. Hechas en piloto automático.

Como si fuera el trabajo de un viejo zorro que ya viene de vuelta y no le importa nada.

-Pedro Pizarro

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El primer largometraje de Claudia Huaiquimilla ha dado que hablar y con mucha razón. Definitivamente es una de las mejores películas chilenas del año.

Esta cinta logra balancear perfectamente un montón de emociones de manera orgánica. Con la misma facilidad con la que la película te atrapa, también te hace reír, te hace llorar y te hace interesarte genuinamente en los personajes y la historia.

Tano es un joven citadino, producto de un matrimonio fallido y abandono emocional, quien es enviado lejos de su madre hasta el sur de Chile, con su padre, luego de verse envuelto nuevamente en un delito. Ahí conoce a Cheo, un niño introvertido y víctima de bullying por su ascendencia mapuche. Ambos entablan una entrañable amistad que tendrá repercusiones en sus familias y en todo el pueblo.

La trama pareciera ser la típica comedia de pareja dispareja pero en las manos de Huaiquimilla, Mala Junta se transforma en un testimonio de un país mudo. El universo que rodea la relación de estos dos niños es el conflicto mapuche en pleno: la represión policial patrocinada por el Estado, la lucha por dar a escuchar la voz mapuche, el miedo, la impotencia. Este escenario se presenta como un espejo de lo que está viviendo Tano internamente; La voz del Estado frente a los problemas del país es callen y acaten. La voz de la autoridad ante Tano es «Pórtate bien».

La directora desarrolla a sus personajes con mucho amor. Ninguno es una caricatura, ninguno es bueno ni malo. Todos tienen matices que los humanizan. La escena en la que Tano comete el delito que lo envía con su padre tiene unos leves tintes que te revelan que, sí, estos cabros son delincuentes pero también son niños. Son personas. Son humanos.

Esta película nos muestra una pequeña historia que es el resultado de las grandes historias. De las que vemos en las noticias. Las peleas de los políticos, las falencias del Estado y la indiferencia del pueblo producen historia como las de Tano y Cheo. Historias que Mala Junta presenta magistralmente. No se la pierdan.

«Mala Junta» se exhibe por ÚLTIMA VEZ este sábado 20 de Mayo a las 19:00 hrs. en el Teatro Estibadores en San Martín #344 con un valor de $1000.

-Pedro Pizarro Rojas

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Esta franquicia accidentalmente fue refrescándose a medida que encontraba su equilibrio. Pasó gradualmente de una película de acción sobre un grupo de jóvenes que realiza carreras clandestinas y contrabandean reproductores de DVDs a una saga de superhéroes digna de Marvel.

Lo interesante de esta búsqueda es que cada entrega era totalmente diferente a la anterior (la diferencia también varía en calidad, hay que ser honestos) y cada película se sentía fresca. Hasta Fast 5.

A partir de eso, la formula se reinventa hasta lograr la perfección con Furious 7. La mezcla entre comedia, acción y fantasía de superhéroes que llega casi a la caricatura, logra un producto de entretenimiento que no deja indiferente a nadie. La adrenalina efectivamente sube con esta película.

The Fate of The Furious, la octava entrega, cuenta con los mismos elementos de la anterior, sin embargo, la dirección de F. Gary Gray no logra llevarlos por el camino indicado y las escenas se desenvuelven sin mucha gracia. La comedia que con maestría manejó James Wan hace dos años, ahora se siente fuera de lugar. Ridícula. Las escenas de acción están diseñadas sin mucha creatividad, incluso robando descaradamente ideas a su antecesora.

No me mal entiendan, Rápidos y Furiosos 8 es tan entretenida como las anteriores, es solo que el estancamiento creativo se nota. ¿Qué mas se puede hacer después de siete películas? Difícil pregunta. Aún mas para los equipos preparando las últimas dos secuelas que llegarán en 2019 y 2021.

Lo mejor de la película, por supuesto, es el cameo de Hellen Mirren como la madre de Deckard Shaw, quien al igual que Kurt Russell entienden perfectamente en que tipo de película están y actúan acorde. Lo peor es Charlize Theron a quien desaprovecharon horriblemente relegándola al típico villano que supervisa todo desde el computador en su guarida. Un desastre.

Por supuesto que al ser el octavo episodio de una saga, es una película para fans. De esos que aplauden en el cine. En la función a la que asistí, no aplaudieron mucho.

Que vuelva James Wan.

-Pedro Pizarro

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Sebastian Lelio entiende el cine. Sabe que una película puede ser una herramienta de expresión artística y un producto de consumo masivo. Bajo ambos lentes, «Una Mujer Fantástica» es una película que funciona.

Marina es una joven transexual que vive en Santiago de Chile y que tiene una relación con un hombre mayor, separado y ejecutivo de una empresa textil. Resultado de esto, Marina debe enfrentarse al rechazo diario de la sociedad chilena y lo hace con templanza. Hay una escena de Marina caminando contra el viento en una calle capitalina que grafíca demasiado bien el tema de esta película. Y ahí está la gracia y el talento de Lelio.

La historia y los personajes de esta película son interesantes y atractivos y entregan un final muy satisfactorio. A un nivel superficial, el film entretiene, entrega claramente su mensaje y provoca el diálogo posterior. Y es en ese momento en que los temas que subyacen en la cinta afloran y la genialidad del director queda expuesta: Una Mujer Fantástica es un retrato de una sociedad que pretende verse civilizada pero que solo expulsa odio y segregación. Una Mujer Fantástica es una fábula de fuerza y resistencia. Es una introducción a un mundo desconocido por muchos. Es una historia de amor. Es una comedia. Es un drama. Es una película de terror.

Se puede sentir el cariño y el interés en hacer una buena película. Este es un ejemplo de muy buen cine. Cada detalle está delicadamente construido para transmitir emociones o información; la fotografía y el diseño de producción son sobresalientes en su simpleza. Las actuaciones están increíbles y devastadoras (Ojo con Aline Kuppenheim). La música marca presencia pero nunca distrae. Un balance perfecto. Fantástico. Un excelente guión en manos de un muy bien dotado director.

No pierdan la oportunidad de ver esta grandiosa película en su única función diaria en nuestro cine local.

-Pedro Pizarro Rojas

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M. Night Shyamalan es un género en si mismo. Es como Quentin Tarantino. Uno sabe a lo que va cuando entra a ver una de sus películas. La diferencia es que Tarantino es igualmente genial tanto escribiendo como dirigiendo.

«Fragmentado» es la nueva entrega del director de Señales y El Protegido y es un interesante retorno a la forma que alguna vez lo hizo popular. Shyamalan sabe dirigir, sabe como crear momentos de real suspenso y verdadero terror. La historia de un psicópata desequilibrado que secuestra a un trio de colegialas de verdad te atrapa y te transmite inquietantes sensaciones. Es un tributo a Psicosis que vale la pena considerar.

Lamentablemente eso dura solo los primeros cuarenta minutos de película porque Shyamalan es mejor director que guionista.

Luego la cinta entra en terrenos donde la suspensión de la credibilidad exige mas de nosotros y si no estamos preparados, puede desconectarnos de inmediato. Sin embargo, creo que en una segunda revisión, puede que la encontremos mejor; como me sucede con muchas películas de este realizador. Pero debo decir que definitivamente, «Fragmentado» es mucho mejor que las últimas entregas del director de After Earth y The Happening.

Es interesante como la filmografía de Shyamalan revela mucho de la identidad de su autor y en esta película podemos ver el incipiente regreso a la forma de un artista que ha tenido mas odio del que merece. «Fragmentado» nos recuerda por que aún respondemos al «del director de Sexto Sentido«.

A propósito, si eres un fan de Shyamalan, prepárate para uno de los mejores finales que has visto en mucho tiempo.

-Pedro Pizarro Rojas

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Mi error, quizás, fue haber visto Kong: La Isla Calavera después de Logan.

Kong es un retroceso del cine popcorn contemporáneo que solo se conforma con llenar asientos en las multisalas y vender golosinas. Y en ese campo, la película es un completo éxito.

En la senda del cine de Michael Bay, Kong: La Isla Calavera es un despliegue audiovisual impresionante con imágenes; cada una mas hermosa que la anterior, con diseños muy creativos de criaturas fantásticas y escenas de acción ejecutadas con una precisión y una claridad tan bien definidas que el mismo Bay debería tomar notas.

A veces la película pareciera ser un trailer constante de si misma, con constantes cambios de música; canción cool tras canción cool. El ritmo del film en general es un desorden durante los primeros 20 minutos. Las escenas de acción son impresionantes pero causan cero efecto emocional. Y ese es el gran defecto de este gorila gigante.

Lamentablemente la cinta de Jordan Vogt-Roberts se queda en la forma y olvida, aparentemente a propósito, el fondo. Ningún personaje es explorado con profundidad quedando todos en el estereotipo. El problema será que cuando empiece la masacre, nosotros estaremos deleitados con las lindas imágenes en vez de aterrados con el trágico desenlace. Recordemos que una de las ideas del cine es provocar. El despliegue de imágenes lindas dejémoslos para los demos de los televisores en las multitiendas.

Kong olvida por completo el drama para dar paso al espectáculo. Y luego de la primera hora uno se adormece y todo deja de tener impacto. Todo deja de importar.

Siento que Kong es una oportunidad desperdiciada. Si Logan fue un avance y una luz de esperanza en el cine pop, Kong: La Isla Calavera es Suicide Squad.

-Pedro Pizarro Rojas

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La idea de una película basada en Lego me parecía ridícula al borde del odio por allá por el 2014. Que equivocado estaba; resultó que The Lego Movie es una ácida critica social al sistema capitalista en el que vivimos, envuelta en una hermosa película llena de corazón e imaginación y con tantos detalles que debe ser vista mas de una vez. Me confirmó que cualquier película dirigida por Chris Miller y Phil Lord se va a ganar mi dinero. Le tengo fe a lo que hagan.

Esta vez no dirigieron.

The Lego Batman Movie es maravillosa pero, eventualmente es un solo chiste repetido durante noventa minutos (Nadie quiere a Batman y Batman no quiere a nadie) pero sazonado con tanta belleza, creatividad y referencias perfectamente diseñadas y ejecutadas, que es un verdadero deleite que, al igual que su predecesora, merece ser vista mas de una vez en pantalla grande. La película es tan graciosa y rápida que mientras procesas un chiste y te ríes, ya te perdiste uno o dos otros chistes que pasaron mientras tanto.

Lo encantador de Lego Batman (además de ser mucho mas que el verdadero Batman) es que explora un lado que las otras películas solo esbozan: que Batman está solo, es triste y aburrido. Esto hace a Lego Batman igual de valioso que el Batman de Burton, el de Nolan y el de… Snyder. Lo pone a la misma altura. Y eso es genial.

Lamentablemente la película no le llega ni a los talones a The Lego Movie. No tiene el ingenio ni la sorpresa de construir un mundo nunca antes visto en pantalla grande. Y es tan auto referente que muchos niños que no conozcan en profundidad a Batman no van a entender el 70% de los chistes (mi favorito es una referencia a Suicide Squad con Killer Croc).

La película es encantadora, es divertida, es hermosa. Si eres fanático de Batman, te vas a reír el triple. Vayan a verla al cine. Un par de veces.

-Pedro Pizarro Rojas

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