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Spoilers: Hablemos de Cine: COCO
En algún momento, Pixar asumió la responsabilidad de realizar películas animadas que pudieran llegar a los corazones de grandes y chicos a la vez sin faltarle el respeto a ninguno. Esta tarea que desarrollaron de manera impecable se vio levemente opacada el 2006 con el estreno de Cars, una película que apuntaba casi exclusivamente a los niños.
Los críticos no la quisieron mucho pero el público infantil la amó y consumió todo lo que tuviera la figura del Rayo McQueen. Este aumento en los ingresos permitió que la empresa se diera lujos con Ratatouille, Wall-E y UP, películas que tuvieron excelente recepción de la crítica y la audiencia pero que no se reflejó en el marketing (No muchos niños quisieron jugar con figuritas del sr. Fredricksen o Anton Ego) por lo que Pixar se vio obligado a compensar con secuelas descorazonadas pero financieramente exitosas como Cars 2 y 3, Monsters University y Buscando a Dory. Lamentablemente, Valiente y El Buen Dinosaurio, ideas originales, resultaron ser inferiores al resto del perfecto curriculum de la productora.
Sin embargo, el 2015 nos impresionaron gratamente con IntensaMente y este año volvieron a lograrlo con COCO, probando que Pixar aún tiene de esa magia que nos encantó a finales de los 90 y principios del 2000.
Coco es la historia de Miguel, un niño amante de la guitarra que vive en un tradicional pueblo mexicano donde la música baña cada rincón excepto en su casa donde está prohibida debido a una antigua rencilla familiar. Al acercarse la celebración del Día de Muertos, Miguel se ve envuelto en una aventura que lo llevará hasta la misma Tierra de los Muertos donde deberá encontrar la forma de regresar y cumplir una misión muy importante.
El norteamericano director Lee Unkrich (Toy Story 3), apoyándose en su co-director latino Adrian Molina, logra capturar de manera perfecta la mundialmente conocida tradición mexicana. Cada detalle está puesto de manera respetuosa y sutil en el film, informando todo lo que la audiencia necesita saber sobre la fiesta y la idiosincracia de sus personajes (el personaje de Abuelita es el mejor en este aspecto). Sin embargo, una construcción perfecta del mundo no sirve de mucho si no hay una fuerte historia que lo justifique. Y Coco la tiene.
La película es prácticamente una comedia de aventuras emocionantes con personajes secundarios entretenidos, mucho color y mucha música. Sin embargo, por debajo de eso se va tejiendo otro relato mucho mas íntimo que va afectando al espectador SIN QUE ESTE SE DE CUENTA hasta los últimos quince minutos del film cuando todas las piezas caen en su lugar y el corazón de la obra de Unkrich queda expuesto frente a la pantalla al igual que las lágrimas del público.
Cabe destacar que la mayoría del reparto que grabó las voces en inglés, también lo hizo en la versión doblada al español con la excepción de Benjamin Bratt, cuyo personaje Ernesto de la Cruz, fue doblado por el mismísimo Marco Antonio Solís. Un verdadero deleite. Mención honrosa a Gael Garcia-Bernal quien se luce en el papel del desgraciado Héctor.
Coco es un verdadero espectáculo. Hermosa, graciosa, tierna. Con excelente música de Michael Giacchino y con verdadero corazón latino. No se la pierdan.
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Video [Live]: Estadio Acierto, programa 28-11-2017
Spoilers: Hablemos de Cine: LIGA DE LA JUSTICIA
La competencia en la pantalla grande entre Marvel y DC es comparable a la fábula de La Liebre y La Tortuga de Esopo. Marvel se fue lenta pero segura construyendo su multiverso paso a paso desde Ironman en el año 2008 hasta cimentarlo con Los Vengadores en el 2012. Mientras tanto, la liebre DC se regocijaba en la confianza que el Batman de Christopher Nolan le había dado sin darse cuenta como la lenta tortuga Marvel le sacaba ventaja.
Desde entonces, DC ha intentado de manera bien torpe alcanzar a su competencia y cimentar su propio multiverso en el menor tiempo posible. Ha necesitado reinventar su formula de maneras radicales para encontrar su identidad, dar en el gusto al espectador y ser competentes como piezas cinematográficas.
Quedaron lecciones muy importantes que aprender después de la bullada Escuadrón Suicida y la exitosa Mujer Maravilla. Y queda perfectamente claro que Liga de la Justicia las aprendió muy bien. Por fin las películas DC dejan de lado ese sombrío pesimismo que embargaba a Man of Steel y a Batman v Superman.
Con precisos 120 minutos, Liga de la Justicia es una película muy entretenida de principio a fin. De esas que son tan entretenidas que todos los errores argumentales que pudiera tener pasan casi de manera invisible por el lente de Fabian Wagner. Y eso debe agradecerse en gran medida a la química que producen sus protagonistas liderados por la carismática Mujer Maravilla (un cambio de enfoque de última hora gracias al éxito de su film) y Batman, el capitán del equipo, quienes son seguidos por Aquaman, The Flash y Cyborg. No todos están muy bien desarrollados o parecieran tener un propósito claro en la película pero lo importante es que todos se llevan muy bien y de verdad se siente un sentido de equipo, aun mas que en Los Vengadores. Reconocimiento aparte merece The Flash quien funciona como el comediante del equipo y calza perfecto con el film.
El director Zack Snyder debió dejar la producción del film de manera abrupta luego de una tragedia familia y Joss Whedon, director de Los Vengadores, tomó su lugar para terminar la filmación y supervisar la post producción. Es posible ver la mano de Whedon sobre el trabajo de Snyder pero de manera armónica, sin invadir. Liga de la Justicia tiene mucho humor, es mas colorida, tiene personajes mas entretenidos, con una trama mas sencilla, escenas de acción impresionantes, con un villano mas genérico y no muy memorable, para nada depresiva ni malhumorada. Por fin DC hizo algo que debió haber hecho desde un principio: Una película de superhéroes.
El mítico Danny Elfman compuso la banda sonora y es imprescindible que le pongan atención a cada nota.
Liga de la Justicia no es una película perfecta pero es muy entretenida. Rompe con los esquemas impuestos anteriormente pero sin negar que es parte de una historia mas grande. Por fin DC comprendió que sus películas deben ser igual que los cómics: diversión fantástica que no se toma demasiado en serio.
-Pedro Pizarro Rojas
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Spoilers: Hablemos de Cine: THOR: RAGNAROK
Marvel Studios es la prueba fehaciente de que el problema con las super producciones hollywoodenses no es que esté en manos de los ejecutivos si no, cuando estos ejecutivos no conocen el material con el que están trabajando ni como funciona el mercado del cine. Y Disney sabe eso. Sabe que para recibir hay que dar, escuchan a su público y le dan lo que quiere. Y lo hacen bien.
El productor general del multiverso Marvel, Kevin Feige, ha ido puliendo su técnica con cada película que pasa, probando distintos tonos y géneros, dominando la taquilla y encantando a la audiencia desde Ironman en el 2008. Feige perfecciona la simbiosis entre director y productor, entre arte y negocio y probablemente Thor Ragnarok sea la prueba mas palpable.
Después de enterarse de el inminente Ragnarok, una profecía apocalíptica que amenaza con destruir Asgard, el hogar de Thor, nuestro héroe titular deberá pasar por un montón de aventuras junto a su hermano Loki y a Hulk, su «amigo del trabajo» para evitar que esta se cumpla.
Dirigida por Taika Waititi, Thor Ragnarok es definitivamente una comedia irreverente, casi una parodia de si misma y de todo el universo Marvel. De un principio nos queda claro que nada será tomado en serio, que nadie está verdaderamente en problemas y que no debería sorprenderte si Thor mira a la cámara, sonríe y le brilla un diente (tranquilos, no lo hace). El baño de frescura que Thor Ragnarok aplica a esta franquicia ya venía preparándose con Guardianes de la Galaxia y Ant-Man. La nueva película del director de What we do in the shadows hace algo que ninguna de las nombradas ha hecho: se burla de la santidad de Marvel. Esta película se siente como un niño jugando con figuritas de acción y lo digo de la mejor manera. Este niño está siendo vigilado de muy cerca por un adulto responsable que sabe darle la libertad necesaria para que de rienda suelta a su imaginación.
Visualmente la película es muy atrayente, el uso de los colores, los encuadres y la música crean un universo nuevo que recuerda mucho a una onda neo futurista ochentera. Al igual que todas las películas Disney, el efecto 3D funciona muy bien y aporta a la creación del mundo. Aunque narrativamente es una película para ver en la casa un domingo por la tarde, es un deleite de ver en pantalla grande.
Thor Ragnarok puede reírse y faltarle el respeto a su fuente y al universo al que pertenece porque conoce y quiere mucho su material original. Puede reírse de sus predecesores como un bebé se ríe de su abuelo al tirarle las barbas.
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Spoilers: Hablemos de Cine: BLADE RUNNER 2049
Por supuesto que después de Sicario y La Llegada, Dennis Villeneuve era la mejor opción para dirigir la secuela del clásico que cambió las reglas del cine de ciencia ficción en 1982.
Este joven director tiene un destacado talento para crear personajes complejos y con conflictos internos fuertes; además de poseer un estilo visual que ha ido perfeccionado junto a su colaborador, el gran director de fotografía Roger Deakins, con el que han creado mucho mas que visuales espectaculares: Crean imágenes que transmiten sensaciones y que construyen universos. El mundo de Blade Runner, creado por Ridley Scott hace 35 años, está a salvo en estas nuevas manos.
30 años después de los eventos en Blade Runner, los replicantes son prohibidos por completo y los sobrevivientes son forzados a la clandestinidad. «K» es un Blade Runner que debe encontrar y «retirar» a los replicantes que encuentre. Luego de la aparición de un cofre con un misterioso contenido, «K» deberá encontrar a un niño perdido, despertando debates y contradicciones psicológicas en su interior mientras descubre su verdadera posición en el universo.
Al igual que la obra original, Blade Runner 2049 es una mezcla de cine negro y ciencia ficción. El caso que el detective debe resolver es la excusa para la prolongación de la pregunta presentada en su predecesora: «¿qué es ser Humano?» Pero la pregunta no se repite, se complementa. Villeneuve no hace un remake, no presenta una historia nueva en el mismo universo. Esta película es una legítima secuela que continúa de manera muy eficiente la historia original, expandiendo el universo de una manera que en estos tiempos se siente fresca.
De una forma mas competente que en The Force Awakens, por ejemplo, el universo construido por Scott en 1982 sirve como base para que Villeneuve construya el suyo y el calce es perfecto. Se mantiene el espíritu, el ritmo, el estilo en general, pero de una manera naturalmente evolucionada. En general, la película es superior a la original excepto en el soundtrack pero debe ser porque tenemos a Vangelis tan incrustados en el inconsciente que no es difícil considerar algo como mejor. La fotografía de Roger Deakins es objetivamente hermosa y perturbadora. Es el trabajo de un maestro con años de experiencia y con todos los recursos a disposición de su arte. Es precioso.
Es importante precisar que esta película no sigue las convenciones que el publico común estaría esperando de una película de ciencia ficción. La película escapa de todos los convencionalismos hollywoodenses. No hay explosiones espectaculares ni persecusiones infartantes. Es una película artística de ciencia ficción de dos horas y veinte minutos donde casi todos los conflictos son internos. Le recomiendo ver la original antes de ir a ver esta.
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Spoilers: Hablemos de Cine: EL JUEGO DE GERALD
Personalmente, me intrigan las películas que se imponen dificultades narrativas. De inmediato uno sabe que se enfrentará a algo distinto, a algo nuevo. A algo que Hollywood necesita.
Luego de la encantadora Okja, Netflix nos presenta «El Juego de Gerald». Basada en una novela de Stephen King considerada hasta ahora «infilmable» y dirigida por Mike Flanagan, es la historia de Jessi, quien junto a su marido Gerald deciden pasar un fin de semana romántico en una lejana y solitaria cabaña. En un intento por reavivar su vida sexual, Jessi es esposada a la cama matrimonial por Gerald quien, sorpresivamente, sufre un paro cardíaco cayendo muerto sobre su mujer. Al verse imposibilitada de escapar, Jessi entra en un estado psicótico que la llevará por un viaje devastador a los rincones mas oscuros de su vida.
Con un increíble diseño de producción minimalista, excelentes actuaciones y un muy buen guión, esta película logra esposarte a tu asiento, obligándote a experimentar junto con Jessi su descenso hacia la locura; es de esas películas tan devastadoras que uno no quiere repetirse. La protagonista no debe enfrentarse a un monstruo o un fantasma, debe enfrentarse a ella misma y es impresionante como el director logra transmitir eso en una película que transcurre en una sola habitación y con su personaje principal inmovilizado.
«El Juego de Gerald» no es como «127 Horas» en la que el tema es la fuerza proveniente del espíritu. Esta no es una película de superación física sino espiritual. Las esposas de Jessi no se comparan con las aprehensiones que ella misma se ha impuesto durante su vida. Hasta podríamos decir que este film es una película feminista en el sentido en que trata de una mujer liberándose de las ataduras sociales impuestas sobre ella durante siglos.
El trabajo de cámara es especialmente notable en el sentido que explora cada centímetro de la habitación para mostrarnos siempre un punto de vista distinto; los planos no se repiten, hay jump cuts con propósitos narrativos que funcionan muy bien, y el uso del color, aunque no siempre sutil, es muy bello. El sonido es utilizado con maestría para separar la realidad de las alucinaciones y para resaltar el terror creciente en Jessi. Técnicamente la película utiliza recursos clásicos para desarrollar el suspenso sin caer en los artilugios de siempre utilizados en el género.
Esta arriesgada apuesta de Netflix ha resultado ganadora; muchos ya la consideran una de las mejores películas del año. Yo estoy entre esos. El Juego de Gerald es una prueba mas de que el cine no necesita presupuestos inmensos para cautivar. La imaginación y la creatividad es todo.
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Aprendiendo Educación Cívica: Capitulo 6 «La importancia de elegir autoridades a través del sufragio»
Spoilers: Hablemos de Cine: ¡MADRE!
Que tesoro es poder experimentar esta película en una sala de cine comercial en una ciudad donde «Minions» estuvo en cartelera durante meses. La nueva película de Darren Aronofsky, director de perturbadoras cintas como Requiem por un Sueño, Pi: Fe en el Caos y El Cisne Negro es un desafío para el espectador. Una obra de arte financiada por Paramount Pictures. Una apuesta demasiado arriesgada.
A muy grandes rasgos, ¡madre! es la historia de un matrimonio compuesto por «Madre«, una joven mujer y «Él«, un ya maduro escritor con bloqueo creativo, quienes viven en una remota casa en medio de un bosque. La casa ha sido el eterno hogar de Él y está siendo remodelada por Madre luego de ser destruida por un voraz incendio. Una noche son visitados por «Hombre«, un misterioso hombre quien es extrañamente muy bien recibido por el dueño de cada despertando sospechas en Madre. Luego llega «Mujer«, esposa de «Hombre» (y lo mejor de la película), complicando aún todo mas para «Madre». Decir que, desde ahí, las cosas se ponen «extrañas» es poco. Sin deja la confusión de lado ni por un segundo, la película va lentamente entrando en el terreno de lo fantástico y lo irreal hasta llegar a niveles tan inexplicables como maravillosos y desgarradores. ¿Notaron los nombres de los personajes principales? Raro ¿cierto?
Esta película está loca.
La cinta ha obtenido diversas reacciones y personalmente vi gente levantarse de sus asientos y abandonar la sala en medio de risas de confusión, prueba de lo acostumbrados que estamos a ver siempre la misma historia contada de la misma manera. Cuando llega una película como ¡madre! es natural que la reacción del público que fue a ver una cinta de terror convencional se sienta confundida y culpe a la obra de ser «mala» o «fome«. No creo haber visto jamás una película como esta. Esta no es la película de horror que quieres ver. Esto es algo mas. Mucho mas.
Esta película es Darren Aronofsky haciendo lo que quiere, sin restricciones y censuras. Es expresión artística salvaje y en pleno.
Es importante resaltar que ¡madre! no es una película convencional, es casi una obra de teatro filmada de manera exquisita, llena de desconcertantes primeros planos que comprimen aún mas el mundo de la protagonista. Todo aquí es una metáfora o una alegoría; nada es lo que parece y todo representa o significa algo mas. Aquí no está la respuesta a quien es el asesino, que espíritu está poseyendo la casa o cual es la solución al horror. No. El valor de la película está en que, como buena obra de arte, la interpretación te la deja a ti. Para mi, el film es una historia sobre ser mujer en un mundo machista, es sobre el efecto del éxito y la fama en quienes te rodean, es sobre el proceso creativo, es sobre la lucha entre el ego y el instinto, es sobre Dios, la Tierra y la humanidad, es sobre el amor y el ser humano. Es sobre el sacrificio. Es sobre eso y sobre todo lo que tu mente pueda descubrir.
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Spoilers: Hablemos de Cine: MAMÁ SE FUE DE VIAJE
Mamá se fue de Viaje es una comedia argentina que en este momento la está rompiendo en nuestros países vecinos y de verdad es un deleite ver una película de esta factura en nuestra sala local.
Ariel Winograd es un director con vasta experiencia en comedias y se nota su manejo tanto con los actores como con la cámara. Sabe construir comedia desde estos dos flancos y mayormente su trabajo es un éxito. Los primeros diez minutos son maravillosos y con un despliegue técnico de producción impresionante que de entrada ya sabes que esta es una película de gran presupuesto y de grandes risas.
La historia trata sobre Victor y Vera, un matrimonio acomodado y padres de cuatro chicos. Cuando la mamá finalmente se harta de ser tratada como empleada decide irse de vacaciones a Machu Pichu dejando al padre al mando de la casa y de los revoltosos chiquillos. Obviamente cunde el pánico a niveles absurdos hasta llegar a un espectacular clímax donde… bueno, ustedes ya saben.
Si la trama les suena parecida es porque es la misma idea del capítulo de Los Simpsons «Homero se queda solo» donde Marge decide irse de vacaciones a Rancho Relaxo dejando a Homero con los niños. Bueno, resulta que Winograd es un GRAN fan de Los Simpsons y esta película es un homenaje latinoamericano al legado de Matt Groening. Y funciona.
El film tiene niveles de comedia ridículos pero que calzan perfecto en el mundo que el director construye, la película se deja ver con liviandad y a pesar de ser una trama familiar, los gags son originales o, al menos muy bien filmados y sacan buenas risas. Es importante resaltar el nivel de la fotografía, la cámara es muy importante a la hora de crear comedia o resaltar emociones. Hay unos planos secuencias muy interesantes donde la cámara serpentea por toda la casa y el maravilloso lente de Felix Monti siempre está sobre algo hermoso de ver.
Pero si hay algo de verdad destacable es la actuación del reparto, especialmente los niños (El bebé Lolo se roba la película) que transmiten una honestidad impresionante y que, a pesar de sus personajes ser unos chiquillos miserables, aún logran hacerte reír.
En general es una comedia familiar liviana de alta producción y muchas risas que vale la pena ver en pantalla grande. No se la pierdan.
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Spoilers: Hablemos de Cine: IT (ESO)
La figura del payaso Pennywise de la miniserie IT: El Payaso Asesino de 1990 causó tal impacto que existe gente que no ha visto la película solamente por el terror que les causó ver al personaje en el afiche o en el tráiler.
Es interesante que Stephen King haya utilizado la figura de un payaso para el antagonista de una de sus mejores novelas como representación del miedo: algo siniestro que se oculta tras una fachada sonriente y amigable.
Esta nueva versión de este clásico literario le hace justicia al libro. Lo toma como base y cumple. Vayan.
IT es la historia de un grupo de niños que viven en el extraño pueblo de Derry, un lugar aparentemente normal pero con un aura bastante extraña. Se hacen amigos al tener en común el ser parias sociales en la escuela y victimas constantes de bullying, pero hay algo mas: Todos han tenido extrañas visiones relacionas con un payaso de ojos brillantes y dientes afilados. Juntos decidirán enfrentar al payaso, a la vez que enfrentan sus más profundos miedos.
El director argentino Andy Muschietti actualiza la novela de King cambiando la época de 1950 a 1980 y tiene mucho sentido: los temores de esa infancia no son los mismos de la siguiente; no somos la misma audiencia.
Pero la audacia del director va mas allá, tomándose el tiempo que necesita para desarrollar correctamente a sus personajes y enfocándose exclusivamente en sus etapas infantiles (recordemos que la novela abarca hasta ver a los personajes ya adultos). Esto es muy importante ya que el blanco al que apunta Pennywise es a los miedos internos de los niños y si nosotros como audiencia no logramos comprender a ese nivel a nuestros personajes, la película no funciona. Por eso la duración del film sobrepasa las dos horas; hay mucho desarrollo de personaje pero también hay muchas escenas de terror que van aumentando en impacto a medida que la película avanza.
Todos los elementos que componen esta película están utilizados a la perfección. La mezcla entre la ternura y la inocencia en las escenas de los niños contrasta de manera sublime con el terror en las secuencias con el payaso asesino. Aunque, definitivamente, IT no se convertirá en un nuevo clásico del cine de terror (espero comerme mis palabras cuando se estrene el segundo capítulo), esta película es una experiencia que deben disfrutar en una sala de cine.
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Spoilers: Hablemos de Cine: BABY, EL APRENDIZ DEL CRIMEN
Baby, El Aprendiz del Crimen es una de las películas mas suculentas que ha llegado a las salas locales este año. El guionista y director Edgar Wright utiliza cada centímetro de la pantalla y cada decibel que explota por los parlantes para entregarte información, sensaciones o simplemente algún entretenido detalle que enriquezca la experiencia. Esta película es una muy bien contada historia y, al mismo tiempo, una experiencia cinematográfica única.
Baby es un joven y misterioso chofer especializado en escapes de la policía a alta velocidad por las calles de Atlanta, EE.UU. siempre con increíble música en sus oídos, la que utiliza para sincronizar sus escapes y vivir su vida. Trabaja para Doc, quien se encarga de organizar distintos robos con diferentes equipos de trabajo siendo Baby el único constante en los atracos. Baby quiere dejar el mundo del crimen y huir junto a su novia Debora pero no será tan fácil.
En apariencia este film podría parecer un knock off de Rápido & Furioso pero es mucho mas que eso. A diferencia de las películas de acción convencionales, Baby, el Aprendiz del Crimen no olvida que la acción debe ser siempre una extensión del personaje; El virtuosismo de Baby al volante y el maravilloso soundtrack no son solo decisiones estéticas, son producto del conflicto interno por el que pasa el protagonista. Así, nosotros como espectadores nos comprometemos emocionalmente con lo que ocurre en pantalla.
Otra de las peculiaridades en el cine de Edgar Wright es su obsesión por los easter eggs o pequeños detalles ocultos en la imagen y el sonido. Todas sus películas son verdaderos desafíos a los sentidos y nos obligan a revisar su filmografía una y otra vez. Ésta, su sexta película, no es la diferencia. Eventualmente notarán detalles obvios como las letras de las canciones del soundtrack escondidas a través de la pantalla o los balazos al ritmo de la música pero de seguro se escaparán varios detalles mas: tu cerebro sabe que vio algo pero no sabe que es lo que vio.
Con escenas de acción trepidantes, una banda sonora encantadora, un montaje de lujo, coreografías perfectas, un reparto espectacular con dos ganadores del Oscar y una dirección impecable, Baby, El Aprendiz del Crimen se suma a la lista de buenas películas que nos ha entregado Hollywood este año.
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Spoilers: Hablemos de Cine: DUNKERQUE
Dunkerque es uno de los eventos cinematográficos del año. De esas películas que generan rumores y anticipación. Confiamos en que Christopher Nolan nos va a impresionar, al igual que sus magos en The Prestige, con un espectáculo maravilloso; con un truco jamás antes visto. Y esta vez no decepciona.
Su decima película es una recreación del rescate de Dunkerque, Francia, en 1940, durante la Segunda Guerra Mundial y lo interesante aquí es que el director no guía su relato a través de héroes y sus valientes hazañas sino que, durante su ajustado metraje, seguimos a soldados comunes y corrientes que pueden confundirse entre ellos y el resto de los 400.000 soldados que esperan rescate. El evento es el protagonista de la historia. Los humanos son solo el vehículo para movernos entre el principio y el final. Esa es la razón dramática de tener a Tom Hardy detrás de una máscara: su rostro no importa. Es uno mas.
La historia no tiene mas detalles en su trama que permitan «espoilear» la película: Los 400 mil soldados británicos en la playa de Dunkerque esperan ser rescatados por la Armada y un grupo de valientes ciudadanos en sus botes pesqueros mientras son defendidos por la Fuera Aérea. Pero lo que transforma a Dunkerque en una verdadera experiencia cinematográfica es la forma en la que Christopher Nolan nos la presenta: Estamos frente a una película experimental disfrazada de blockbuster internacional.
El punto de vista está dividido en tres historias que lentamente se irán entrelazando hasta converger al final. La gracia está en que una de estas historias transcurre durante una semana, la otra durante un día y la tercera durante una hora. La ejecución es genial pero no es solo un artilugio para llamar la atención; hay intención poética: Una corta pero feroz batalla aérea puede sentirse igual de letárgica que un viaje de 10 horas por alta mar o esperar un posible rescate mientras soldados alemanes amenazan tu vida durante una semana.
Dunkerque es Christopher Nolan apoderándose del cine bélico y haciéndolo propio. Esto incluye los vicios de su cine, especialmente la retumbante banda sonora de Hans Zimmer quien, a estas alturas, ya se está transformando en una parodia de si mismo. Es fácil reconocer pedazos de colaboraciones anteriores con Nolan en este soundtrack cuya presencia a veces sobra ante tan majestuosa puesta en escena. Lo bueno es que esta película prescinde tanto del diálogo que este defecto casi no importa.
Dunkerque fue filmada en el formato mas grande existente actualmente en la actualidad: 70 mm. IMAX film. Lamentablemente en el cine local solo tenemos acceso a la versión digital de 35 mm. por lo que les recomiendo que vean esta maravillosa obra de arte en pantalla gigante y sonido envolvente… Y si quiere, hasta en D-BOX porque Dunkerque es mas que una película, es una experiencia cinematográfica.
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Spoilers: Hablemos de Cine: EL PLANETA DE LOS SIMIOS: LA GUERRA
Finalmente y de manera muy paulatina Hollywood se está dando cuenta de lo importante de recuperar la calidad narrativa en los blockbusters internacionales. Esta película está tan bien hecha que hace que las dos anteriores sean retroactivamente mejores.
Junto con Deadpool y Logan, El Planeta de Los Simios: La Guerra comprueba que en estos tiempos es posible entregar una película fantástica y de consumo masivo capaz de conmover, de provocar, de motivar el diálogo y la reflexión y, al mismo, tiempo mantenernos entretenidos con visuales extraordinarias, personajes interesantes, efectos especiales de última generación y escenas de acción trepidante.
El Planeta de los Simios: La Guerra es el tercer capítulo en este reboot de la saga original iniciada en 1968. César, el líder, junto a su tribu de simios inteligentes, ha logrado huir de la cacería humana durante dos años luego de los eventos de El Planeta de los Simios: Confrontación pero cuando las cosas se ponen personales, nuestro protagonista irá tras el malvado Coronel McCullough y su ejercito en un viaje, tanto físico como emocional, que tendrá un alto costo para él.
El director Matt Reeves logra cerrar esta historia con una película de una escala gigante y proporciones bíblicas, que te dejará con el corazón en la mano, cuestionando tu lugar en la Tierra y en la historia. Los efectos especiales que dieron vida a esta nueva raza de simios me conmovió a un nivel al que no llegaba desde Gollum en El Señor de los Anillos. Después de pocos minutos te olvidas que estás viendo animaciones digitales y de verdad logras emocionarte. El trabajo de Andy Serkis como César es tan increíble que cada vez que se le nombra, se debate si se debería entregar un Oscar a la mejor interpretación MoCap y en esta oportunidad su esfuerzo es impresionante: César es una criatura real que existe, siente, piensa, razona y sufre.
La película es una épica de acción y ciencia ficción rellena de tanto dramatismo y emoción que las escenas de violencia son desagradables a la vista. El desarrollo de los personajes digitales está tan bien hecho que es primera vez en el cine en la que los humanos en el público están en contra de los humanos en la pantalla y nadie lo cuestiona. En el caso de los humanos, también es posible entender totalmente sus motivaciones, sus frustraciones y sus miedos. Las escenas en las que César y el Coronel se enfrentan cara a cara son, definitivamente, las mas potentes del film.
La historia viaje entre una saga de ciencia ficción, una película de guerra, un drama de venganza y un montón de géneros mas, incluso pequeños destellos de comedia para aguantar tanto sufrimiento. Esta es una película difícil. No es para ir a pasarla bien disfrutando de efectos especiales impresionantes: Es un debate sobre la humanidad y la naturaleza, es una historia de dolor y lucha, de esperanza. Es un comentario sobre lo horrible de la guerra; sobre lo que implica ser humano. Sobre el espíritu.
De manera muy segura puedo decir que esta trilogía está a la par de otras grandes como El Señor de los Anillos, The Dark Knight y Volver al Futuro. Un nuevo clásico.
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Spoilers: Hablemos de Cine: SPIDER-MAN: DE REGRESO A CASA
Una de las formulas con las que Marvel intenta distinguir sus películas unas de otras es mezclar el ahora existente «género de súper héroes» con algún otro género pre existente: Capitán América y El Soldado del Invierno mezcla el género del cine de espionaje, Ant-Man: El Hombre Hormiga es una película sobre ladrones organizados y Guardianes de la Galaxia es una ópera intergaláctica. Spider-Man: De Regreso a Casa es una comedia adolescente. Y está muy bien hecha.
No me mal entiendan, esto sigue siendo una hamburguesa Marvel de consumo rápido pero este combo es premium. Estudiado y ejecutado a la perfección.
Spider-Man: De Regreso a Casa no es una historia de origen. No hay ni araña radioactiva, ni tío Ben. La historia continúa desde Capitán América: Guerra Civil y explora las ganas de Spider-Man de convertirse en un Vengador y lo que tiene que hacer para lograrlo.
Pero también es la historia de Peter Parker, un joven muy inteligente pero retraído, que vive con su tía y que debe lidiar con las presiones comunes de la adolescencia.
Durante su metraje, la cinta presenta el constante enfrentamiento entre los adultos y los jóvenes sin ser discursiva, presentando con ejemplos y no con discursos el ya conocido tema de Spider-Man: «un gran poder conlleva una gran responsabilidad».
La película está hecha con bastante destreza, la historia se desenvuelve ante tus ojos sin la necesidad constante de explicarte lo que está sucediendo y cuando lo hace, lo hace con justificación; el humor está impecable al igual que la puesta en escena, el casting está perfecto, la fotografía muy colorida y el montaje está bien dirigido.
«Vulture», el villano, debe ser uno de los villanos mas novedosos y atractivos en el mundo cinematográfico Marvel. No es al aburrido semidiós ambicioso ni el científico loco incomprendido por el mundo ni ninguno de los clichés que este universo cohesionado nos viene entregando desde el 2008. Vulture está a la altura del héroe y, a pesar de que la película no tiene grandes set-pieces, comparada con sus compañeras, la gracia de Homecoming es su impecable ejecución.
De alguna forma, este film es todo lo que nos gusta de Marvel pero sin los vicios como el hoyo en el cielo o el villano invencible que, al final, es fácilmente derrotable; es una muy entretenida comedia juvenil con una que otra escena de acción trepidante. No lo pasaba tan bien con una cinta de Marvel en una sala de cine desde Ironman.
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Spoilers: Hablemos de Cine: OKJA
Que tiempos estamos viviendo en que una producción cinematográfica de alto presupuesto, de atractivo masivo y con gran valor artístico está disponible de manera inmediata y legal a través de una plataforma como Netflix. Una película que pasó de estrenarse en el festival de Cannes directamente a las pantallas caseras del mundo. Una película hecha por uno de los directores coreanos mas interesantes del último tiempo. Son tiempos de revolución.
Okja es la historia de la corporación Mirando, su presidenta Lucy Mirando y su producto estrella: un supercerdo gigante de exquisito sabor que podrá ser vendido de manera masiva al mundo. Como parte de la investigación sobre el desarrollo del animal, y también como estrategia publicitaria, varios ejemplares son enviados a diferentes granjas alrededor del mundo con el objetivo de elegir al mejor desarrollado en diez años.
Uno de estos impresionantes animales se transforma en la mascota de Mija, una niña coreana de 13 años quien la bautiza como Okja y no se detendrá ante nada para recuperarla una vez que es llevada a Nueva York como la ganadora de este “concurso” televisivo animado por el ridículo Dr. Johnny.
En medio de una espectacular e improvisada misión de rescate, Mija se encuentra con Jay y su banda de animalistas terroristas pacifistas quienes le revelarán la verdad sobre Okja y la ayudarán en su empresa.
Bong Joon Ho nos presenta esta historia en un formato de cuento de hadas con un vuelco oscuro que la lleva, comenzando con aires muy amigables para la familia, a transformarse en una sátira, en una aventura de acción, luego en un drama ecologista y una cinta de terror entre otros géneros sin dejar de ser una fábula encantadora con un discurso y un mensaje muy claro. Se podrán imaginar que las similitudes con el cine de Hayao Miyazaki van mas allá de la superficial comparación con Mi Vecino Totoro.
La habilidad del director para manejar los distintos elementos que componen el film es muy importante porque él sabe en que plataforma se exhibirá su trabajo. Esta vez no es solo Corea o los Estados Unidos; es el mundo. Por eso esta historia es universal, es multicultural, apela muchos sentimientos, a una diversa gama de temas sin casarse con ninguno y sin dejar de tener una visión clara, sin ser un enredo desastroso. Sabiendo que su audiencia no tendrá la concentración de un público en una sala de cine, Okja se pasea por distintos géneros exitosamente.
Okja es, al mismo tiempo, un blockbuster de entretención masiva y una obra de arte discursiva, delicada y hermosa. Esta vez tenemos a nuestro alcance de manera legal una preciosa y muy entretenida película que nos dejará pensando en temas importantes. No se la pierda.
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